Monolog für eine kaputte Familie

Pier Paolo Pasolini: Dichter der Asche. Wiedergabe durch Camilla Chams. Flammenschmiede

Der Dichter der Asche, reproduziert von Camilla Chams

Der große Filmemacher Pier Paolo Pasolini wird von vielen als noch größerer Dichter angesehen. Jetzt übersetzt sein Gedicht ins Norwegische.

(Übersetzt aus Norwegisch von Google Gtranslate)

1966 führte Pier Paolo Pasolini ein Interview mit einem Filmkritiker. Er schreibt an den Kritiker, aber das Gespräch geht nie verloren. Pasolini legte den Text beiseite. Er selbst geht 1975 weg. Der Freund und Autor Enzo Siciliano findet den Text, arbeitet mit ihm zusammen und veröffentlicht ihn als langes Gedicht.

Das Gedicht dreht sich um Politik, Kunst, Liebe, Tod – und die Berge. Es beginnt mit der Gründung eines eigenen "Ich bin eins", bevor es sie vorstellt: den Vater, den Bruder Guido und die Mutter. Die Familienmitglieder werden einzeln vorgestellt, bevor der Bruder getötet, der Vater eingesperrt und die Mutter mit Pier Paolo zur Flucht getrieben wird. Pasolini schildert ein Leben, das so stark ist, dass es ihm Magengeschwüre verleiht. Er schaffte es immer noch zu kreieren, zu lieben, zu erleben, zusammenzuarbeiten. Auch bei diesen Fragen ist Pasolini im Gespräch: mit seinem Vater, Bruder, Filmkritiker, der nie auftaucht.

Alles herum. Ich treffe Die Asche des Dichters aus dem Zusammenhang geraten und eine autonome Arbeit erwarten. Es ist eingerahmt von Dauerwellen, Kolophonseiten, Deckblättern in Lochgrau, wie Korbweide, als Rasterfilter aus meiner Zeit. Ich treffe das Buch als unbekannt; Ich habe nicht so viel gesehen wie ein Film, den der Italiener gemacht hat.

Das erste Treffen mit Pasolini ist eine unterhaltsame Party voller starker Persönlichkeiten. Aber ich fühle mich auf dieser Party wie ein Außenseiter, als ob sich alle kennen, ich rühre mich nicht. Das "Sie" oder "Sie", über das Pasolini schreibt, gehört nicht dazu: "Vielleicht haben Sie meinen Film vor ein paar Jahren auf dem New York Film Festival gesehen?" sehr gut ”. Also habe ich mich distanziert. Oder auf Distanz bleiben. Aber dann bin ich plötzlich in intime Gehaltsschecks hineingezogen. Der Autor ist zuerst kalt, dann heiß. Es fühlt sich an wie ein Spiel, ein Schuhspiel; so etwas wie er nah und intim und doch aus der Ferne gesprochen, wie von einer Szene oder Leinwand. Aber dann ist dies ein Text, der für eine besondere Publizität laut vorgelesen werden sollte. Ich brauche das, damit das Nachwort es versteht. Und dann verstehe ich auch mehr von meiner Erfahrung mit dem Gedicht.

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Begründung und Intuition. Reflects Camilla Chams eröffnet ihr Nachwort mit einem Zitat aus Liebe Verluste von Steinar Opstad: In Asche sollten die Gedichte geschrieben werden, es heißt in einem Gedicht aus einer Landschaft von Ebenen mit wilden Tieren und grasendem Vieh. Neben den direkten Verbindungen zwischen Opstads Gedichten und In der Landschaft aus Pasolinis Kindheit finde ich Verbindungen zwischen Opstads und Pasolinis Sicht der Poesie. Für das Radioprogramm Diktiergerät Opstad erwähnt einige Dinge, die für ihn ein Gedicht darstellen, was ich verstehe, da das Gedicht eine entgegengesetzte Qualität haben muss. Wenn auch nur in der Sprache; eine Opposition in sich haben, gegnerische Kräfte haben. Chams schreiben im Nachwort an Askens Dichter: "Durch das Mischen von Poesie mit Prosa versucht Pasolini mit diesem langen Gedicht eine neue und revolutionäre Sprache zu schaffen. Dies bedeutet, dass es zu jeder Zeit zwei entgegengesetzte Kräfte gibt, die das Gedicht in verschiedene Richtungen ziehen. " In dem Aufsatz "Ambiguity" schreibt Pasolini dennoch, dass die Widersprüche in dem zweideutigen poetischen Werk es unmöglich machen, eins zu werden. "Einheit", schreibt Pasolini, "ist irrational, dekadent und bürgerlich." Das Mehrdeutige ist bei Pasolini, dass rational.

Das intuitive seine Arena ist eine weitere Beschreibung der Poesie von Steinar Opstad. IM Die Asche des Dichters beschreibt Pasolinis Poesie (unter anderem) wie folgt: Die Sprache der Handlung, das Leben, wie es sich entfaltet, ist so unendlich faszinierender!

Der Autor ist zuerst kalt, dann heiß. Es ist bekannt als ein Spiel, ein Streich; als etwas, das nah und intim ist, aber dennoch aus der Ferne gesprochen wird.

Aktion in der Sprache. Jon Fosse saß einmal und las Edda und kam zu dem Schluss, dass der Text, der gewöhnlich Poesie genannt wird, Drama ist. "Es ist vor allem ein Gespräch zwischen Göttern", fand Fosse heraus und schrieb den Text neu. Denn Fosse ist Schriftsteller. Aber das Wesentliche der Drama-Ausgabe ist dasselbe – die Fabel ähnelt sich selbst.

Fosse war einer von denen, die mir beibringen wollten, Drama zu schreiben. Als Faustregel gilt, dass die Sprache des Dramatikers handeln muss. In Dialogen war dies machbar. Dinge, die Menschen für Quadranten gewinnen, müssen nur die Dynamik ein wenig verändern. Stück für Stück für jede Antwort. Nicht einfach, aber verständlich. Aber dann gibt es dieses Genre Monolog. Die Handlung des Monologs muss auch in der Sprache sein. Das Drama kann in der Person in Widersprüchen liegen. In paradoxen und inneren Spannungen. Nicht ganz anders als Opstads Kommentar darüber, was Gedichte gut macht. Und damit ist man wieder bei Fosse, der normalerweise Federico García Lorca zitiert, der sagte, so etwas wie Theater sei "Poesie im Stehen". Und wir sind zurück in Pasolini, bekannt als Filmemacher. Aber unter vielen galt es als noch besserer Dichter. Die Asche des Dichters erinnert den Leser daran, dass Pasolini auch Drehbücher für Schützen geschrieben hat: nicht weil er Drehbücher und Filme erwähnt, sondern wegen seiner Form.

Widersprüche. Die Asche des Dichters ist ein Text, der fast ohne dramaturgisches Handsaming von einem Schützen ausgeführt wird. Er wird auch ohne Anweisung Sinn geben und Aufregung erzeugen. Pasolini wollte die Poesie revolutionieren, Poesie und Prosa mischen, was Allen Ginsberg seiner Meinung nach beherrschte. Chams behauptet, dass Pasolini dies in schafft Askens Dichter. Meine eigene Meinung ist, dass er nicht nur die Symbiose von Poesie und Prosa schafft, sondern auch eine Art Monolog entwickelt. Denn gegen Ende dieses Zusammenspiels von Aufzählung und Verweilen, poetischen Einflüssen und referenziellem Text verwandelt sich der Monolog in ein Gespräch – ein Kammerspiel, in dem realistische und mythische Charaktere interagieren: Elektra, Schwestern und Väter und Streiche, die sich in eher inzestuöse Richtungen entwickeln . Die Aktion am Ende ist nicht neu. Es ist nicht nur aus der Mythologie bekannt, sondern auch von Anfang an Askens Dichter. Geht es nicht nur um einen Kampf um die Liebe zur Mutter, zur Schwester, zur Sehnsucht nach einem fähigen Vater? Das ist wie Die Asche des Dichters sowohl bejahend als auch konservativ und in noch größerem Maße ein Text innerer Widersprüche und Kontraste: Elektras Regression / die Tochter, die ihren Vater, den König, liebte und jetzt selbst Faschistin ist / als Faschistin in tiefer Verzweiflung über falsche Herkunft wird.

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