Unfälle managen

Für Filmemacher wie Eric M. Nilsson und Anne Haugsgjerd sehen wir das Positive von Filmen, die an ihrer eigenen Repräsentation zweifeln.

(Übersetzt aus Norwegisch von Google Gtranslate)

Kunst wird "Unfälle managen", sagte der schwedische Filmemacher Eric M. Nilsson während des diesjährigen Kurzfilmfestivals in Grimstad. In einem launischen Gespräch mit dem Filmwissenschaftler Patrik Sjöberg äußerte Nilsson Skepsis gegenüber dem erfolgreichen Film, der den Richtlinien für Solidität folgt. Er erklärte, er sei "verwirrt über seinen Beruf", "verflucht, einen Film gedreht zu haben" und einer, der "getan hat, was man nicht konnte".

In Zusammenarbeit mit der Nationalbibliothek organisierte das Festival ein spezielles Programm über Nilsson und die norwegische Filmemacherin Anne Haugsgjerd. Der Fokus des Regisseurs lautete "Zwei Stimmen aus der Geschichte des norwegischen Kurzfilms", und beide nahmen an einem Gespräch teil. Es wurde eindeutig festgestellt, dass diese beiden "Stimmen", die unter anderem zusammenarbeiteten Das Leben bei Frogner (Haugsgjerd, 1986) teilte eine gewisse ketzerische, selbstkritische und zurückhaltende – aber gleichzeitig fröhliche und spielerische – Herangehensweise an den Film.

Verspielt. Es gibt eine komische und eigentlich leicht berührende "Sinnlosigkeit" in einem Film wie passage (Nilsson, 1966). Das Fehlen einer ganzheitlichen Bedeutung wird zum Hauptmotiv des Films. Nilsson vergleicht die Suche des Menschen nach einem einheitlichen Verständnis mit dem Versuch eines Idioten, die Fragmente aus einem zerbrochenen Spiegel zusammenzusetzen.

passage kann als humorvolle Kritik oder "Dekonstruktion" des Dokumentarfilms gesehen werden, der alles als zusammenhängendes Ganzes präsentiert. Der Film erinnert an Luis Buñuels Las Hurdes (1933) war ein Angriff auf die "Neutralisierung" der eigenen Ideologie, die verdeckte Voreingenommenheit und die arrogante Sichtweise auf eine Realität, die oft nicht verstanden wurde.

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Es ist ein "unbedeutender" Moment, an den ich mich am besten erinnern werde passage: eine Nahaufnahme eines Kindes, das seinen Kopf an ein Schild lehnt, mit einer narrativen Stimme, die beschreibt, was wir sehen: "ein Kind, das hinter einem Verkehrsschild spielt".

Dieser Moment erscheint nicht als Spiegelbild von irgendetwas, sondern als rätselhaft und gleichzeitig trivial Schnappschuss. Der Moment ist losgelöst von einem sinnvollen Kontext, an dem wir niemals teilnehmen können – es ist nur ein unermüdlicher Blick und eine Poesie eines ignoranten Kameramanns auf der Reise, der das Bild aufgenommen hat Sünde fragmentarischer Kontext. Wer weiß, ob der abgebildete Junge jemals hinter dem Verkehrsschild gespielt hat? Wie Nilsson uns in der Halle sagte, ist passage "Aufgewachsen während einer Reise".

Diese Zurückhaltung, die Bedeutung zu vereinheitlichen, das Detail, das man gefilmt hat, eindeutig zu definieren oder zu kontextualisieren, ist nicht nur ein negativer Akt, eine Ablenkung einer etablierten Praxis im Dokumentar- und Geschichtenerzählen, sondern auch ein kreativer Ansatz, der es ermöglicht, Dinge in ihrem "Nicht-Sein" zu entstehen Grobheit ", seine" Nicht-Erklärung ".

"Kunstmehrdeutigkeit ist ein positives Merkmal, weil sie zwei gegensätzliche Kräfte in der Arbeit voraussetzt, die in ihre eigene Richtung kämpfen und eine Vereinigung unmöglich machen."        Pasolini

Wie Sjöberg betonte, gibt es Ausdrücke Butter auf Flasche i passage (er benutzte das Wort Tautologie): Bild und Wort bezeichnen dieselbe Beziehung – die Stimme des Erzählers beschreibt, was wir bereits auf den Bildern sehen. Das Ergebnis ist eine Trivialisierung der Bedingungen und gleichzeitig ein Problem dieser Trivialisierung. Es gibt eine etablierte Form der Dokumentation erklärt was wir sehen und nicht auf seine eigene Beschreibung aufmerksam machen als eine bestimmte BeschreibungNilsson hebt die Beschreibung als eine hervor Engagement und ein Stück in der Realität.

Die Unterbrechung. Hier arbeitet Anne Haugsgjerd ähnlich. Beide Regisseure arbeiten an dem Schwierigen, Zweifelhaften, Verspielten, Komischen und manchmal Absurden und Unmöglichen, um etwas zu beschreiben.

Bei Haugsgjerd zeigt sich dies besonders deutlich in Abfangen – eine Technik, eine Empfindlichkeit oder a stilistische Figur wie Jean-Luc Godard oft erforscht hat, und das ist vielleicht der Grund, warum seine späteren Filme und ein großes Publikum sich gegenseitig "zurückhalten".

I Leben bei Frogner, Wo Haugsgjerd versucht, die Nachbarschaft zu beschreiben, in der sie lebt, hört man das Zögern und Unterbrechen der Stimmbänder und Formulierungen, man sieht es in Nahaufnahmen eines denkenden Regisseurs und man merkt es in der Struktur des Films. Der zögernde Arbeitsprozess des Beschreibens und Denkens wird auch durch ein Hauptmotiv gezeigt, das den Film an Godards bindet Geschichte (n) du cinéma (1988–1998): der Filmemacher oder auteur an der Schreibmaschine. Rauchen, schmecken, innehalten.

Der Zweifel wird aus vielen Filmen herausgeschnitten, aber Haugsgjerd erlaubt es, ein produktives Mittel und ein grundlegendes Merkmal der Ausdruckskraft des Films zu sein. Hier liegt vielleicht eine Form des selbstkritischen Vitalismus, eine Lebenskultivierung, die skeptisch und zweifelhaft für sich selbst ist.

Selbstkritik. In der Ansicht und im Gespräch über Haugsgjerds Nettes Mädchen ... Setz dich schön! (1991), in dem sie sich kritisch mit reinrassigen Hunden befasst, war die Rede von einer zögernden Beziehung zu einem Filmemacher, der sich einem bestimmten "Ich" gegenübersieht. Haugsgjerd sagte, dass sie im Film "im Namen der Hunde gesprochen hat", aber im Film fragt sie sich, ob sie nicht einmal als Exhibitionistin auftritt, als eine, die auftauchen wird.

Dieser Zweifel und diese Selbstreflexion, wie auch die zuvor erwähnte Unterbrechung, wurde von Godard als Stärke des Films gegenüber der einheitlichen, unkritischen und nachlässigen Verwendung von Bildern durch die Fernsehmedien hervorgehoben. Fernsehprogramme neigen dazu, eine chaotische und oft widersprüchliche Welt in ein poliertes und vorgefertigtes Format zu packen. Dies ist einer unkritische Darstellungsform denen Hausgjerd und vor allem Nilsson skeptisch gegenüberstehen.

In dieser Filmform, die fragmentiert und zweifelt, gibt es etwas Befreiendes. Es geht darum, den Standard zu brechen, die Idee des Films als einheitliches Spiegelbild der Welt aufzugeben und nichts als selbstverständlich zu betrachten. Wenn man Dinge nicht als selbstverständlich ansieht, entsteht eine Freiheit in der Realität – eine Freiheit, die sich in der Fähigkeit des Filmemachers zeigt, das zu lassen, was nicht beschrieben ist und was nicht Kan beschrieben werden, ein wichtiger Teil dessen, was beschrieben wird. Sjöberg war in diesem letzten, als er in war passage Halten Sie also Ausschau nach "diese Sprache kann niemals artikulieren".

Pasolini. Auch mit dem italienischen Rebellen, Dichter, Filmemacher und Intellektuellen Pier Paolo Pasolini war der Film als Literatur eine problematische Sprache, die die Realität beschreibt und dies mit Blick auf das Zweideutige, das Widersprüchliche, das tun sollte ikke wird von dieser Sprache erfasst. Pasolini erhielt während des Festivals auch ein spezielles Programm, bei dem Filmvorführungen und Vorträge den Regisseur aus verschiedenen Blickwinkeln beleuchteten. Simen Ekern sprach über Pasolini und die italienische Politik, Runar Hodne über die Regie von Pasolini und Camilla Chams über den Übergang des Filmemachers von der Literatur zum Film.

Chams zitiert aus Pasolinis Text die Mehrdeutigkeit: "Jede Arbeit ist mehrdeutig." In diesem Text schreibt Pasolini: "Die Mehrdeutigkeit der Kunst ist ein positives Merkmal, weil sie zwei widersprüchliche Kräfte in der Arbeit voraussetzt, die in ihre eigene Richtung kämpfen und es für ihre Einheit unmöglich machen."

"Kunstmehrdeutigkeit ist ein positives Merkmal, weil sie zwei gegensätzliche Kräfte in der Arbeit voraussetzt, die in ihre eigene Richtung kämpfen und eine Vereinigung unmöglich machen."

Hier geht es darum, Film als ein Werk zur Standardisierung zu sehen, das Erfolgreiche, das Polierte, das wir auch bei Nilsson und Haugsgjerd gesehen haben. "Es sind die Zufälle, die interessant sind", sagte Nilsson. Haugsgjerd folgte mit: "Das Perfekte ist nicht interessant." Für Pasolini war das Argument für das Zweideutige und Widersprüchliche mit der Einheit des Faschismus und der modernen Standardisierung des Lebens verbunden – was Pasolini mit dem Faschismus in Verbindung brachte. Chams zitierte Pasolini: "Die Faschisten haben die Dialekte nicht toleriert."

Pasolini sah ein befreiendes Potenzial im Film als "Schreiben", weil es ein Ausdruck war, der keine "Charaktere wie von einer CD kaufen" konnte, sondern selbst Bedeutung schaffen musste – durch Bilder (Einstellungen), Töne und Clips (Assemblierung). Die verbale Sprache war instrumental, verbunden mit einem konventionellen Wörterbuch, in dem die Filmsprache den Träumen näher war, die irrationale, eine "fast tierische" Sprache, die mehr mit rohem, unkonventionellem Leben in Verbindung stand.

Im norwegischen Kontext gibt es sehr wenig von diesem kritischen Bewusstsein, das die filmische Beschreibung nicht als selbstverständlich ansieht und das diesen Mangel im Film durchscheinen lässt. Vielleicht wünschen Sie sich mehr Filme, in denen die Träume, das Ambivalente, das Widersprüchliche und das "Nicht-Gegebene" zu einem zentralen Bestandteil des Ausdrucks werden – wie wir es in einer Meisterklasse bei Gustav Deutsch und Hanna Schimek sowie bei zwei norwegischen Regisseuren feststellen Das wurde während des diesjährigen Festivals geehrt: Anja Breien und Torill Kove. Aus dem norwegischen Wettbewerbsprogramm war Schlittschuh (Jørn Nyseth Ranum, 2015) Ein Film, der zumindest eine unerklärliche, chaotische und sich verändernde Natur enthielt, die sich nicht um die menschliche Psychologie kümmert – eine Realität, die häufig vom Kamerafokus norwegischer Filmdramatiker aufgedeckt wird.

Das Kurzfilmfestival und die Nationalbibliothek sollten dafür gelobt werden, dass sie diese widerstrebenden und zögernden Stimmen aus der Geschichte hervorheben, die positive Unfälle in einer Medienrealität bewältigen, die oft etwas zu professionell wird, etwas zu hoch für ihr eigenes Verständnis und ihre Repräsentation der Welt.


 

Endre Eidsaa Larsen ist Filmkritikerin in Ny Tid.
endreeid@gmail.com

 

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