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Robert Bresson und die Wachsamkeit des Films

In Bressons Realismus geht es darum, unsere gewohnten Sichtweisen neu zu ordnen – einen filmischen Raum zu finden, in dem das, was wir normalerweise nicht verstehen, atmen kann.

(Maschinell übersetzt von Norwegisch von Gtranslate (erweitertes Google))

 

Auf die Frage, ob er denkt, dass die Leute verstehen, was er macht, antwortet der französische Filmemacher Robert Bresson: „Ich möchte, dass du einen Film fühlst, bevor du daran denkst.“ Für Bresson, der seine Filme oft auf Büchern von Dostojewski basiert, Geschichten erzählen oder menschliches Verhalten zentral erklären. Es ging vielmehr darum, unsere Aufmerksamkeit und Sensibilität zu schärfen, die nur der Film leisten konnte.

Es ist wichtig geworden, ein paar Worte über diesen Filmemacher zu schreiben – obwohl "current" eine seltsame Beschreibung ist, die im selben Satz wie Bresson verwendet wird. Er ist eine Art Filmemacher, der sich zu dieser Zeit ewig oder nie relevant fühlt. Es gibt ein neues Buch über Bresson, Bresson über Bresson: Interviews, 1943–1983 (2016) und eine Neuveröffentlichung von Bresson Hinweise zum Kinematographen (2016; erstmals in französischer Sprache veröffentlicht als Hinweise zum Kinematographen 1975). Ersteres ist eine Sammlung von Interviews, Kommentaren, Notizen und Artikeln von Bresson, während letzteres eine Sammlung von Aphorismen von Bresson selbst ist – ein kleines Buch, das manche Filmliebhaber zu jeder Tageszeit in der Hosentasche haben.

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Seit der letzten Ausgabe hat sich nichts geändert, außer der Größe des Buches, und es enthält das zuvor geschriebene Vorwort von JMG Le Clézio, in dem er unter anderem schreibt, dass Bressons Worte und Fragen Schritte auf der Suche nach "der Entdeckung einer neuen Sprache" sind. Die New York Review of Books hat diese Ausgabe veröffentlicht und auf YouTube eine Wiedergabeliste mit drei Interviews erstellt (siehe Link am Ende).

Was ist es, das wir mit diesem Filmemacher treffen, das unsere Aufmerksamkeit wert ist?

Für Filmemacher wie Chris Marker und Alain Resnais war es auch wichtig, Dinge zu betrachten, anstatt zu versuchen, sie zu erklären.

Wach bleiben. Für viele gilt Bresson als eine der wichtigsten in der Formgeschichte des Films, eine fast unantastbare Form, die ihren eigenen Weg für den Film als Sprache, Kunst oder genauer gesagt als Komposition suchte. Für Bresson ist Film in erster Linie ein Weg dorthin die Welt neu organisieren auf. Es ist eine Form, unsere Augen und Ohren auf eine neue Art und Weise abzustimmen, damit wir uns einer neuen Sensibilität für Dinge nähern können, wie sie in ihrem phänomenalen Geheimnis sind. Filme zeigen nicht nur Menschen und Dinge, sondern auch neue Verbindungen. Die Kamera gehört nicht zu einem wandernden Auge, sagte Bresson, sondern "einer umfassenden Vision".

Bresson wird normalerweise als engagierter Katholik bezeichnet, als Mann, der während des Zweiten Weltkriegs 18 Monate in einem deutschen Gefangenenlager überlebt hat, und als autodidaktischer, asketischer und esoterischer Stylist. So wie seine Filme eine unerklärliche Aura ausstrahlen, liegt ein Geheimnis um den Mann selbst. Aber anstatt Bresson als unbestreitbares, makelloses und fast übernatürliches Genie zu kultivieren, wie es manche tun, ist es wahrscheinlich mehr, ihn als einen Menschen zu sehen, der versucht hat, es mit vorsichtiger Aufmerksamkeit zu betrachten.

In dem Maße, in dem Bresson als Teil einer "Welle" oder eines Trends gesehen werden kann, finden wir dies möglicherweise im postfranzösischen und italienischen Filmemachen: einen Blick auf die Dinge zu werfen, anstatt zu versuchen, sie zu erklären. Dies war auch für Filmemacher wie Chris Marker und Alain Resnais wichtig: über die Mehrdeutigkeit einer Realität zu wachen, die unserer Rationalität und Erklärungskraft ständig entgeht. Durch die Kombination einer wunderbaren Sensibilität, einer kritischen Intelligenz und einer filmischen Optik, die Phänomene auf ihre eigene Weise untersuchte, waren sie mehr daran interessiert, uns wach zu halten, als der Welt Monotonie zu übergeben – die Kriegspropaganda in den 1930er und 1940er Jahren so eifrig geprägt hatte -. die Nummer.

Bresson sollte in den späten 1950er Jahren eine sentimentale Figur für französische New-Wave-Regisseure werden, die Orson Welles 'Diktum folgten: Die Kamera sollte wie Augen im Kopf eines Dichters sein. Sie sollten aber auch hinzufügen, inspiriert von zwei ihrer anderen wichtigen Mentoren, Jean Renoir und Roberto Rossellini, ein Auge jenseits des Individuums und der Vorstellungskraft sein – ein Auge, das eine gemeinsame Welt so betrachtet, wie sie ist. er ohne es unbedingt zu packen. Welt hat eine Poesie und eine Grausamkeit, die wir hören können.

Vereinfachung. Bressons Filme, die dieser Sensibilität der Nachkriegszeit entsprechen (mit Vorläufern in Renoir und Rossellini), zeichnen sich durch eine Art fromme Stille in der Begegnung mit der Realität aus. Der Dialog in seinen Filmen ist oft so eng, wie Bresson selbst in Interviews und Aphorismen zeigt, mit einer klaren Zurückhaltung, zu versuchen, zu erklären, was impliziert wird. Die Worte wissen, dass sie nichts Wahres sagen, dass sie bestenfalls nur eine wahllose Vereinfachung dessen sind, was ist.

Bressons Filme sind nur dafür bekannt, simpel zu sein. Die Rahmenerzählungen, die Struktur, der Stil und die Charaktere des Films im Bild versuchen weniger kompliziert zu sein als in vielen anderen Filmen. Bresson zog es vor, die Schauspieler oder Charaktere für "Models" zu benennen: Sie sollten mehr als nur spielen. Der Filmkritiker Raymond Durgnat hat einmal darauf hingewiesen, vielleicht mit Blick auf Bressons Ideale: Für einen Schauspieler in einem Film, denken;; Die Kamera erfasst den Ausdruck des Gedankens.

Für Bresson ist Film in erster Linie ein Weg dorthin die Welt neu organisieren auf.

Für Bresson ist Film eine Kunstform, die weit entfernt von den dramatischen Gesten des Theaters ist. Film ist keine Synthese anderer Künste, sondern eine Art, sie zu organisieren. In Susan Sontags Worten sind Bressons Filme "antidramatische" und desillusionierte Ausdrücke von "innerem Drama" und "innerem Stil" (eine moralische Konzeption des Lebens). Die bewusste "Vereinfachung" versucht, Begegnungen mit etwas Zweideutigem, Flüchtigem, Namenlosem und Grenzüberschreitendem zu formalisieren – anstatt es abzuschwächen oder zu reduzieren.

Au Hasard Balthazar

Charakteristisch für Bressons Filme ist im Einklang mit dieser Frömmigkeit auch, dass sie uns Wirkungen vor Ursachen zeigen. In einem der Interviews im Zusammenhang mit dem ersteren, das aus dem Jahr 1966 stammt und das Meisterwerk betrifft Au Hasard Balthazar das kam im selben Jahr, sagt er: "Wir müssen das Geheimnis verlassen. Das Leben ist mysteriös und wir sollten es auf der Leinwand sehen. Die Folgen von Dingen müssen immer vor ihren Ursachen gezeigt werden, wie im wirklichen Leben. Wir kümmern uns nicht um die Ursachen der meisten Ereignisse, die wir erleben. Wir sehen die Konsequenzen und entdecken erst später die Ursache. “

Die Anreize des Films. Wenn Bresson zeigt, ist es dafür Sporn Beziehungen und neue Beziehungen zu spüren und zu denken, nicht zu behaupten, zu deklamieren, etwas wirklich in einer Spur festzuhalten. Wie er im selben Interview sagt: "Idealerweise sollte nichts gezeigt werden, aber es ist unmöglich." Aufgrund eines solchen prinzipiellen Realismus hat der Filmkritiker André Bazin Bresson zu den größten gezählt.

"Realismus" muss hier als Manifestation der Abwesenheit verstanden werden, von etwas Verborgenem, etwas, das wir nicht erfassen und halten können; Realismus bedeutet in diesem Sinne nicht, die Realität so nachzuahmen, wie es scheint, sondern den Ausdruck einen Keim für das Wissen oder den Sinn einer nicht repräsentativen Lebensbewegung geben zu lassen. Beim Realismus geht es um Anerkennung, nicht um das Sichtbare als solches. Das resultierende Postulat (aus Hinweise zum Kinematographen): "Kein absoluter Wert in den Bildern." Bei unserem Treffen mit uns werden die Bilder ihre wahre Bedeutung haben. Bressons Realismus besteht daher, soweit es sich um ein gutes Konzept handelt, darin, unsere gewohnten Sichtweisen neu zu organisieren und einen filmischen Raum zu finden, in dem das, was normalerweise außerhalb unserer Reichweite liegt, wieder atmen kann.

Deshalb hat Bresson gesetzt spontan hoch, wie er in einem seiner jüngsten Interviews klar feststellt (auch auf der New York Review of Books-Wiedergabeliste zu finden). Die Filme zeichnen sich durch eine sehr studierte, präzise Komposition aus, mit Kamerafahrten auf Schienen und Menschen, die auf die Kreidemarkierungen starren, die markieren, wohin sie jederzeit gehen sollten. Aber wie Bresson schreibt Hinweise zum Kinematographen: "Ein System regelt nicht alles. Es ist ein Köder für etwas. " Für Bresson war Film eine Sprache, die uns einen Vorgeschmack auf einige der unbewussten und unerklärlichen Erfahrungen geben konnte.

Siehe die Wiedergabeliste HER.

endreeid@gmail.com
Unterrichtet Filmstudien an der NTNU Email endreeid@gmail.com

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