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Filme aus dem Osten

Gunnar Iversen: Rashomon und die Geschichte des japanischen Films. Norwegischer Filmklubverband, 2017

Horror, Anime, Samurai-Film, Experiment, Kostümdrama, Monsterfilm und Softcore – alle japanischen Filme bewegen sich im Spannungsfeld zwischen Ost und West.

(Maschinell übersetzt von Norwegisch von Gtranslate (erweitertes Google))

Der Filmautor Gunnar Iversen hat sich in der Vergangenheit mit ausgewählten Epochen und Haken der Filmgeschichte beschäftigt. mit Rashomon und die Geschichte des japanischen Films bietet einen umfassenden Einblick in ein reichhaltiges Filmerbe und eine reichhaltige Kultur, die von Edisons Zuschauern im Jahr 1897 bis heute vorgestellt wurden, wobei Persönlichkeiten wie Takashi Miike und Hirokazu Koreeda an der Spitze standen. Aki Kurosawas bahnbrechenden Film als Einfallstor zu verwenden, ist sehr verständlich: Es war Rashomon (1950), der dem japanischen Filmmarkt erstmals die Augen der Welt öffnete. Zu vieler Überraschung wurde der Film während der Filmfestspiele von Venedig 1951 mit dem prestigeträchtigen Gold Lion ausgezeichnet und sollte als einer der großen Klassiker der Filmgeschichte für die Nachwelt stehen. Dies war nicht nur unerwartet; Der Regisseur selbst war skeptisch. Rashomon repräsentierte etwas völlig Neues im Westen. Es war exotisch, unterlag aber gleichzeitig der amerikanischen Zensur. Glücklicherweise kann Kurosawas Klassiker nur als ein Film angesehen werden, der während der Besatzungszeit nicht der "demokratisierenden" amerikanischen Hand erlag. Aber der japanische Film für den Westen war so unbekannt, dass einige westliche Kritiker ihn nicht einmal interpretieren konnten Rashomons zweideutige Symbolik im Licht seines Zeitgenossen und Kontextes, noch aus der Zeit, in der es hinzugefügt wurde. Rashomon Einzigartig ist, dass die vereinten Eindrücke aus Ost und West, aus Moderne und Tradition – und wie viele heute beweisen – die amerikanische Zensur kritisierten.

Kuss des Todes. Iversen ruft an Rashomon "Ein Spiegel für die Gegenwart". Er zielt offensichtlich darauf ab, was mehrere Filmtheoretiker herausgestellt haben, eine verborgene Gesellschaftskritik. Das haben unter anderem viele gedacht der barbarische Bandit Tajomaru (Toshirô Mifune), der mit seiner unnatürlichen, übertriebenen und nicht zuletzt japanischen Art zu übersetzen als Karikatur eines Eindringlings angesehen werden kann – nämlich der Amerikaner. In der Zeit kurz vor dem Koreakrieg befanden sich die Amerikaner in Japan am Ende ihrer Beliebtheitskurve. Sie wurden durch ihre Regeln und Anforderungen an den japanischen Film nicht populärer: Sie mochten keine Männer und Frauen, die sich an den Händen hielten oder küssten, und wollten deshalb Kussszenen als Teil eines "Demokratisierungsprozesses" einführen. Küssen würden sie sicherlich einsteigen Rashomon. Es war das erste Mal, dass dies eine Zutat in einem Kurosawa-Film war, und es kam auch in seiner brutalsten Form: als Einführung in eine Vergewaltigung. "Auf diese Weise wird die Bühne zu etwas anderem als einem Demokratisierungsprozess, sondern zu einem Kommentar zur Besatzung", schließt Iversen.

Abgesehen davon, dass es sich um einen potenziell sehr politischen Film handelt, ist Rashomon, wie Iversen betont, auch rein künstlerisch innovativ. Es bricht mit den Konventionen für die beiden damals vorherrschenden traditionellen Genrefilm-Genres, nämlich den Epochenfilm – jidaigeki, und der Samurai-Film – Chanbara. Es gibt mehrere Anzeichen dafür, dass der Film weder der eine noch der andere ist. Ehrenkodex bushido ist zum Beispiel völlig abwesend, und die beiden Männer, die plötzlich in ein Schwertduell geraten, sind weit entfernt von Samurai. Darüber hinaus spielt der Film in einer anderen Ära als das übliche Kostümdrama, nämlich in der Heian-Ära (795–1185) – und ehrlich gesagt gibt es im Film nicht viele großartige Kostüme zu zählen. Dann haben wir noch nicht einmal angefangen, über die Ästhetik und die Rolle der Musik für die Besonderheit des Films zu sprechen.

Feministischer Blick. Der japanische Film ist, wie Iversen mit seinem Buch andeutet und nachdrücklich illustriert, viel mehr als Kurosawa und Rashomon. Zum Beispiel enthält die japanische Filmgeschichte viele führende Autoren, die starke Spuren hinterlassen haben. Angesichts der eindeutig von Männern dominierten Filmumgebung, die wir auch heute sehen, ist es interessant, einen Blick zurück auf das erste und zweite goldene Zeitalter zu werfen, in dem "Frauenfilm" ein separates Thema war, das in strenge Subgenres wie z haha-mono eiga (leidende Mütter) und Tsuma-Mono-Eiga (Ehefrau Filme). Kenji Mizoguchi trat ein und wies mit Filmen über die schrecklichsten Schicksale von Frauen auf die Unterdrückung von Frauen hin, die von Gesellschaftskritik mit Tritten gegen das Patriarchat durchdrungen waren. Yasujiro Ozu wird auch als einer der offensichtlich wenigen Filmregisseure in der Geschichte des Films hervorgehoben, der seinen eigenen visuellen Stil geschaffen hat und es gewagt hat, kritisch auf eine Gesellschaft hinzuweisen, die auf Macht und Klassenunterschieden beruht, wie im Film Ich wurde geboren, aber ... (1932).

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Die japanische Formel. Horror, Anime, Samurai-Film, Experiment, Kostümdrama, Monsterfilm und Softcore-Porno. Trotz der unterschiedlichen Genreeinteilung und Ästhetik haben alle japanischen Verfilmungen eine Spannung zwischen Ost und West. Darauf kommen wir immer wieder zurück Rashomon und die Geschichte des japanischen Films. Die starke Inspiration aus der Hollywood-Tradition, sowohl technisch als auch künstlerisch, war von zentraler Bedeutung für das Aufblühen und die Regie des japanischen Films. Gleichzeitig ist es seinem kulturellen Erbe treu geblieben, das sowohl entlehnt als auch häufig erwähnt wird.

"Frauenfilm" war ein eigenständiges Thema mit Subgenres wie haha-mono eiga (leidende Mütter) und Tsuma-Mono-Eiga (Ehefrau Filme).

Es gibt viel zu lernen aus Japans einzigartiger Filmgeschichte. Das Wichtigste hinter dem Ohr ist vielleicht, dass Investitionen in Originalität zum Erfolg beitragen können. Einbrüche in einer Branche sind auf Wettbewerb und Digitalisierung zurückzuführen. Der einseitige Fokus auf Genrefilme und Superhelden-Franchises, den wir heute international sehen, macht die Situation für Produzenten und Filmemacher, die unabhängige Filme mit einer einzigartigen Designsprache und einem einzigartigen Erzählstil machen möchten, nicht weniger prekär. Obwohl die heutigen Streaming-Dienste Konkurrenten des Kinos sind und der Markt Filme will, die ihr Publikum ansprechen, muss dies nicht bedeuten, dass Filmkonsumenten nicht offen für originelle Geschichten und neue Eindrücke sind. Wir sind möglicherweise nicht so engstirnig wie die Algorithmen von Netflix. Ich habe wenig Vertrauen, dass die Exposition eines Publikums gegenüber denselben stereotypen Geschichten, die bestimmten ästhetischen Regeln unterliegen, zu mehr Freude und Neugier im Kino führen wird. Der großen Firma Nikkatsu gelang es nicht, sich in einer verzweifelten Krise ausschließlich auf Softcore-Filme zu konzentrieren. Kurosawa Rashomon wurde auch zu Hause nicht sehr gut aufgenommen, als es ankam. Aber in einem anderen Kontext mit anderen Augen gesehen, war sein Erfolg plötzlich eine Tatsache. Wir dürfen nicht vergessen, dass Kurosawa es geschafft hat, sich von einer ästhetischen Diktatur abzuwenden, die sich durchgesetzt hat Rashomons zeitgenössisch – ein ästhetischer Kodex, der nicht nur von den Amerikanern geschaffen wurde. Trotz seiner schlechten Chancen wurde ein Film, an den nur wenige glaubten oder den sie zuvor gesehen hatten, zum Erfolg des Publikums. Diese Geschichte darf sich inspirieren lassen.

 

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